Cazando monos en África

Publicado en Diario de Mallorca el 7-8/7/14

OMAR

Nacionalidad: 96 min. Director: Hany Abu-Assad. Actores: Adam Bakri, Leem Lubany, Waleed F. Zuaiter, Eyad Hourani

“Los israelitas y los palestinos viven en una psicosis perpetua.” Lo dice el consagrado músico Daniel Barenboim, de cuádruple nacionalidad incluyendo la hebrea y la palestina (honoraria). Hace poco, en El hijo del otro, vimos una situación casi kafkiana en ese enquistado desencuentro. Esa película intentaba ser equidistante, aunque acababa mostrando ligera simpatía por los árabes. Omar, al contrario, es desacomplejada. Muestra la guerra, porque un estado de sitio perpetuo puede ser considerado eso, desde el punto de vista de tres guerreros palestinos. Tres jóvenes amigos, rondando la veintena, pertenecientes a una micro célula armada. Dos de ellos, además, están enamorados de la hermana adolescente del líder del grupo. Frente a ellos, un inteligente, astuto y despiadado responsable de seguridad hebreo.

El conflicto, tal como se muestra, está muy desequilibrado. La resistencia de los palestinos, más que numantina, roza lo quijotesco. Pero siguen ahí, lanzando aguijonazos puntuales y recibiendo represalias brutales. Uno de los méritos de la película es que se ahorra los discursos proselitistas. No amaga siquiera con autocrítica o soluciones constructivas. Las guerras, como se citaba en Carlos, no se ganan desfilando. Sí muestra el filme, y en eso es sincero, una sociedad palestina muy tribal, lo cual limita sus márgenes de acción. La trama amorosa es muy ingenua, y por ello bastante verosímil. La trama de acción incluye buenas dosis de persecuciones por laberintos callejeros, encarcelamientos, tortura (no llega a ser estomagante), y un excelente tête-à-tête entre los protagonistas de cada bando, resuelto con el cuento que cierra la película y titula esta reseña. La película no alcanza la magistralidad de Incendies pero se acerca, es muy potente. 

Palomas y halcones

Publicado en Diario de Mallorca el 21/7/14

EL AMANECER DEL PLANETA DE LOS SIMIOS

Nacionalidad: Estados Unidos, 120 min. Director: Matt Reeve. Actores: Gary Oldman, Jason Clarke, Keri Rusell

Rebobinemos: Sabemos desde 1968, gracias a Franklin F. Schaffner y Charlton Heston, que la Tierra estará dominada en el futuro por los simios. Conocemos, desde hace un par de años, el origen de esa dominación, un experimento genético desbocado. Teniendo inicio y final, los productores han puesto manos a la obra en convertir la historia en una caja registradora, con la venia de la audiencia.

Para rellenar la segunda precuela, los guionistas de El amanecer del planeta de los simios han recurrido a la teoría de juegos, modalidad halcones contra palomas. Resumido: Un mundo habitado sólo por seres altruistas (palomas) es utópico; sí sólo hubiera seres agresivos y egoístas (halcones) una vez liquidadas las palomas acabarían fagocitándose entre ellos. En la película hay un colectivo de ambos en cada bando. El líder 'bueno' de los simios se llama César (bajo su piel Andy Serkis/Golum); su rival, Koba. En los humanos Malcolm (Jason Clarke) contra Dreyfus (Gary Oldman), con Keri Russell como florero de la cuota femenina. Con ese doble conflicto bien aquilatado, y teniendo en mente que la serie va a durar mínimo una entrega más, los creadores no se complican más la vida. Abusan del maniqueísmo entre facciones internas y externas, y del sentimentalismo (el bebé simio, la referencia al hijo muerto de la chica), recrean un San Francisco devastado similar al NY de Soy leyenda o Rescate en Nueva York, y no se exceden con los enfrentamientos violentos. Se agradece también el mensaje, sin los ribetes místicos de Noé, de que los humanos no somos los amos del planeta sólo por haber desarrollado mucho la tecnología.

El principio de la Pitufita

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 17/7/14

PASEO DE RONDA

1.Dos de reciclajes. Lo de revisar/voltear/adaptar/revirar ideas anteriores (pocas veces propias) es, en creación artística, más antiguo que la más antigua de las profesiones. Ejemplos hay para dar y tomar, aquí hay varios recientes:

2.Fargo. La película de los hermanos Coen, protagonizada por William H. Macy, Frances McDormand y Steve Buscemi ganó 64 premios, incluyendo Oscars a mejor guión y mejor protagonista femenina. Pues bien, inspirados (suposición mía) por el éxito de una serie tan radical como Breaking Bad, se ha creado una serie con el título de la de los Coen. Los hermanos se han quedado en un discretísimo segundo plano (ni siquiera aparecen como titulares de la idea o personajes iniciales) pero han estado ahí. Por eso, probablemente la serie está recibiendo buena acogida crítica. Protagonizan Billy Bob Thornton (Monster's ball), Martin Freeman (El Hobbit) Colin Hanks (Dexter) y la atractiva Rachel Blanchard. Estrenada en primavera en EEUU, no tiene fecha ni emisora en España. A esperar, o apuntarse a las ofertas yanquis de pago.

3.Hansel y Gretel. El cuento de los hermanos Grimm acumula  (sorprendentemente) menos de una decena de adaptaciones al cine y televisión. La última fue una versión violenta y exagerada (Hansel y Gretel cazadores de brujas, 2013) protagonizada por Jeremy Renner y Gemma Arterton. La novedad es que se ha recuperado la adaptación para el canal televisivo Disney Channel en 1982. El director fue un primerizo, Tim Burton, que apuntaba sus personales inquietudes. Se puede ver, con calidad justita, en Youtube.

4.Y una de machotes estelares. La saga de La guerra de las Galaxias (y su visionado para algunos) comienza a hacerse más larga que un día sin noticias procesales de la exinfanta. La séptima entrega está siendo dirigida por J.J. Abrams (Perdidos, Super 8, Star Trek). La nueva película, no hay que ser un oráculo, será un taquillazo. Sin embargo se le achaca a Abrams que mantiene el vergonzoso desequilibrio entre papeles masculinos y femeninos, en línea con un altísimo porcentaje de películas de acción. En el reparto anunciado la proporción era de una fémina por cada siete hombres. Al recibir un toque por parte de grupos femeninos, Abrams se defendió anunciando un papel femenino adicional. Pedazo de detalle, que cambia la proporción a 8/2. Real (es un sarcasmo) como la vida misma.

5.Este desequilibrio lleva décadas siendo denunciado. Incluso una escritora, Katha Pollit lo bautizó como el 'Principio de la Pitufita', por el cual un personaje femenino muy estereotipado realza un coro del sexo (es otro sarcasmo) dominante. Pollit se quejó en 1991. Casi un cuarto de siglo después, prácticamente nada ha cambiado. En la industria de Hollywood hay cada vez más mujeres en puestos ejecutivos, pero esta es una batalla que parecen dar por perdida.

Los afortunados deben ser castigados

Publicado en Diario de Mallorca el 16/7/14
 

BORGMAN

Nacionalidad: Holanda, Dinamarca, 113 min. Director: Alex van Warnerdam. Actores: Jan Bijvoet, Hadewich Minis, Heroen Perceval, Tom de Wispelaere

En la Biblia (Apocalipsis) le llaman Abadón. Luis Buñuel recurrió a su apodo, el ángel exterminador, y lo hizo invisible. Charles Laughton lo trasladó a las llanuras norteamericanas en La noche del cazador. Hay más variantes, el Sam Bowden de El cabo del miedo / El cabo del terror, la sicótica pareja de Funny games, o Alex de La naranja mecánica. En estado puro son  iluminados, personajes que creen haber recibido una llamada para purgar a la Humanidad.

Camil Borgman, el protagonista de esta película, es un hombre de mediana edad, culto, inteligente e indigente. Lidera una banda que se esconde en los bosques. Seleccionan individuos ricos al azar y los asedian psicológica y físicamente. El tema y la puesta en escena evidencian la influencia de Michael Haneke. Pero también de Buñuel y Tarantino, al que se supera por macabrez cómica en algún pasaje. Hay personajes fascinantes como el protagonista (soberbio el actor Jan Bijvoet), inquietantes (la hija pequeña), cómicos (la pareja masculina de esbirros recuerda a los Blues Brothers; la de féminas es una variante bífida del señor Lobo) y patéticos (el ejecutivo y su esposa). La mansión de diseño ultramoderno ejerce como un personaje adicional. La música es casi imperceptible y desasosegante. El argumento es muy inverosímil, con muchos cabos sueltos o mal explicados; pero incluye gags antológicos y los diálogos son escuetos y atinados. Película muy extraña. Humor negro, negrísimo, pero no hueco. Apela a un tema perenne y presente, el descompensado reparto de la riqueza en el mundo y el anhelo que muchos tienen de reparar esas injusticias. ¿Por el medio que sea?

Mujerzotas

Publicado en Diario de Mallorca el 2/7/14

FOXFIRE

Nacionalidad: Francia, Canadá, 143 min. Director: Laurent Cantet. Actores: Raven Adamson, Madeleine Bisson, Katie Cosseni

La anterior adaptación de la novela de Joyce Carol Oates estaba protagonizada por una incipiente Angelina Jolie en el agradecido papel de Legs (mote equivalente a 'zancuda'). La versión de Laurent Cantet muestra muchas de las virtudes y excesos de la prolífica autora americana. La historia está ambientada en los años 50 en un pueblecito del norte de Estados Unidos. Un grupo de chicas adolescentes monta una sociedad secreta para vengarse del machismo imperante. La sociedad deriva a comuna (auspiciada por la influencia de un octogenario vecino comunista)  y provoca la radicalización de las chicas, explotando al límite sus armas de mujer para mantener su modo de vida.

Las referencias literarias y cinéfilas son múltiples y a la vez casi invisibles. El clásico de Alcott (sí citado a media película), comedia negra juvenil (Heathers y similares), drama existencial adolescente (Los inútiles de  Fellini, La última sesión de Bogdanovich), Jack Kerouac, Faulkner incluso... Muy agradecidas pero en clave demasiado femenina. Salvo el fascinante vejete, el resto de personajes masculinos están encadenados al estereotipo de joven o adulto con las hormonas desatadas y ningún respeto a la condición femenina. Siendo cierto que la sociedad en esa época era hipermachista, Oates la exagera más de lo necesario. El guión de Cantet contiene varias imperfecciones más: exceso de duración (casi dos horas y media), diluye demasiado el protagonismo entre varias chicas y omite aspectos claves de Legs. Aún así, ese personaje, y la mirada de la actriz Raven Adamson, atrapan. También la ambientación, la fotografía y la banda sonora están muy pulidas. Largo, potente drama juvenil con fuertes raíces literarias.

Virado a ámbar

Publicado en Diario de Mallorca el 30/6/14

EL SUEÑO DE ELLIS

Nacionalidad: Estados Unidos, 120 min. Director: James Gray. Actores: Marion Cotillard, Joaquin Phoenix, Jeremy Renner

La isla de Ellis, en Nueva York, muy cerca de la Estatua de la Libertad, fue tristemente famosa en las primeras décadas del siglo pasado porque era el embudo de entrada de los inmigrantes procedentes de Europa. El cineasta James Gray dejó muy buen sabor de boca con su anterior filme, Two Lovers y le fascinan los barrios con más historia y menos glamour de Nueva York. En El sueño de Ellis el guión es un suave melodrama en el que ni la historia ni los personajes rompen la previsibilidad. Sin caer en el culebrón de brocha gorda, sí cede a la condescendencia. Acentúa el desamparo de la protagonista, una polaca guapa y pobre (Cotillard), incapaz de esquivar los tentáculos de un elegante proxeneta (Phoenix) o los posteriores arrumacos de su primo (Renner). El personaje femenino es demasiado pasivo, resignado a su suerte. Por su comprensible fijación por no abandonar a su hermana enferma no puede aprovechar las oportunidades de escapar de la red. Si fuera un poco más astuta, más manipuladora, la historia hubiera despegado fácilmente.

Guión aparte, muy académico y dirigido al público menos amante de las sorpresas, director y actores ponen mucho talento en el resto de apartados. Gray muestra una extrema madurez en ritmo, banda sonora, ambientación y fotografía cuidadísimas. Alterna la miseria de los barrios pobres de NY con planos virados a ámbar de Central Park o el rio Hudson. Joaquin Phoenix, Marion Cotillard y Jeremy Renner no buscan tres pies a sus personajes sino que les sacan, con tino y empatía, sus pequeños pliegues. Resultado, un afinado, sin llegar a deslumbrante, drama histórico.

Ver, recordar, aprender

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 26/6/14

DOCUMENTALES

Para la pequeña o gran pantalla, se siguen produciendo documentales de altísima calidad e interés. Un género que, afortunadamente, no tira la toalla.

El año pasado arrancó con un cuento de hadas. Searching for Sugarman, el documental que ganó el Oscar en su categoría narró con excepcional pulso y emotividad (y alguna triquiñuela, todo hay que decirlo) la vida de un músico desharrapado en su país y triunfante, sin saberlo él, en otros continentes.

El año también nos trajo otra joya: The art of killing (nominada en los premios de este año), logró tratar un tema pavoroso -el genocidio en Indonesia durante los peores años de Sujarto- sin revolver las tripas físicas pero sí la conciencia de los espectadores. Y una nueva punzada de Claude Lanzmann (Shoah). En El último de los injustos, rescata la entrevista al único presidente de un consejo judío que sobrevivió a los nazis, dejando parte de su alma por el camino.

En la lista de nominados del año anterior había otros filmes de temática igual de interesante y comprometida. The gatekeepers logró confesiones de varios altos mandos de la policía interna israelí. How to survive the plague trata la lucha, olvidada y lejos de ser ganada, contra el Sida. The silent war aflora otra guerra aún más desconocida, el de las féminas que, dentro del primermundista ejército de Estados Unidos, sufren violaciones o acoso sexual severo y no logran que se haga justicia. Estos filmes están, para los fluentes en el idioma de Shakespeare, localizables en dvd o plataformas legales de descarga.

Respecto al año bien entrado, en el reciente DocumentaMadrid 2014 despuntaron My name is salt, sobre la colecta de ese preciado polvo en una zona remota de India, y The dog, sobre el truhan -homosexual, hiperactivo, arrojado, lenguaraz- que inspiró la película Tarde de perros, protagonizada por Al Pacino. También se presentó una semblanza de un músico añoradísimo, Antonio Vega, en Tu voz entre otras mil.

Otro artista añorado, y que se ha ganado un documental, es Gore Vidal. En Gore Vidal, los Estados Unidos de la amnesia, se recuperan entrevistas con el ausente escritor. Un hombre carismático, polémico, muy comprometido políticamente, amante de la notoriedad y polifacético (fue, una de sus curiosidades, coguionista de la película Ben-Hur).

Despierta también interés la obra que ha ganado el Oscar este año, 20 feet from stardom. Su planteamiento tiene menos misterio y redención que Searching for Sugarman, pero aún así mete el dedo en una pequeña llaga, el de las coristas de las grandes estrellas. Músicos que se dejan la piel, y las cuerdas vocales, por una gratificación infinitamente menor.

No recibió el premio otro filme que quizás lo mereciera. Cutie and the boxer retrata a Ushio y Noriko Shinohara. Una pareja de pintores de origen nipón afincados en Nueva York desde hace varias décadas. Desde entonces siguen compartiendo juntos la pasión por la creación, y sufriendo el desgaste de la prolongada convivencia.

Por último, un homenaje a un colega/maestro. Roger Ebert, fallecido hace pocos meses, fue considerado uno de los mejores críticos de cine de la última década. Uno de los pocos que se ganó el respeto de todo el gremio por su infrecuente combinación de inteligencia, sensibilidad, cinefilia, soltura literaria y ausencia de ego. Él cine fue para él profesión y pasión, y no ahorró esfuerzos en contagiarla al máximo de gente. Life itself ayuda a mantener viva su memoria.

Este puñado largo de ejemplos es una lista de deberes. Una muestra, una confirmación, de que hay mucho por ver, por recordar, por aprender.